Syotatsu & Kansai Noguchi Syotatsu & Kansai Noguchi

Syotatsu e Kansai Noguchi vão além do gesto de criação artística e estabelecem, por meio de abordagens distintas, um diálogo com a natureza e com práticas artísticas tradicionais. Em seus trabalhos, a permanência se manifesta tanto nos processos de concepção de suas obras, no contato físico e espiritual com o entorno, quanto na busca por uma duração que se inscreve na materialidade de suas criações ao mesmo tempo em que reinventa alegorias. A exposição reúne cerâmicas de Kansai Noguchi e pinturas de Syotatsu que trazem essa reflexão ao espaço da Barra Funda em séries elaboradas a partir de diferentes materiais naturais, em sua maioria originários do entorno em que vivem.

Syotatsu (n. 1982, Wakayama, Japão) iniciou sua trajetória artística aos dezenove anos desenhando retratos nigaoê – caricaturas que têm como objetivo uma “captura” da expressão mais marcante da faceta humana – nas ruas de Quioto. Após dezoito anos nesse ofício, ele retornou à sua terra natal, onde um sonho sobre um senhor da montanha o inspirou a iniciar o tipo de pintura que pratica atualmente. Ao se reconectar com a paisagem e a espiritualidade de Wakayama, ele continuou a desenvolver as figuras que seguem presentes em sua produção – resultado do que ele observa, sente e escuta na natureza ao seu redor. 

Suas pinturas, algumas ultrapassando os três metros de largura, como Rondo (2026) e RODORIYAMA (2026), são feitas com materiais naturais, incluindo terra coletada nas proximidades, materiais naturais como fuligem e cola animal, pó de latão e tinta tradicional japonesa. Os elementos são aplicados sobre suportes antigos, como painéis de madeira, janela indiana, espelho francês e biombo. Insubordinado ao suporte, Syotatsu reserva em sua prática o direito de redução dos elementos pictóricos a algumas formas reconhecíveis em todas as suas criações, apresentando um dicionário de linhas, curvas e contornos que aludem à uma cosmologia expressiva do mundo e de suas histórias. 

“Essas pinturas guardam em si as coisas que vi e senti nos lugares onde vivemos – os céus que contemplei, a terra sob meus pés a cada dia e a passagem do tempo,” conta Syotatsu. Em All that lives (2025), um biombo antigo de 3,5 metros de largura é composto por seres que despertam o mágico, o místico e o espiritual e, ao mesmo tempo, guardam semelhanças com o real, em uma infinidade de detalhes. 

Kansai Noguchi (n. 1982, Fukuoka, Japão) trabalhava com música nos Estados Unidos até se deparar com a obra de Isamu Noguchi, escultor e designer japonês-americâno, no Museu Noguchi em Nova York. Esse encontro marcou uma virada decisiva para Kansai, que passou a se dedicar à cerâmica. Começou com aulas de modelagem com um escultor e, aos poucos, de forma autodidata, passou a incorporar materiais orgânicos em sua prática. Nesse momento, sua prática se torna empírica no sentido em que abraça a irregularidade e a textura do material. 

Atravessado pela mitologia grega, pela tradição da cerâmica Jomon (cerâmica antiga do período Jomon, iniciado por volta de 13 mil a.C.) e pelas culturas e paisagens que encontrou em suas viagens pelo Japão, Noguchi criou vasos, pratos e placas para a exposição. “Ao criar meu trabalho, estou sempre consciente de ir além da minha zona de conforto. Acredito que, ao entrar em território desconhecido, posso encontrar coisas que são verdadeiramente desconhecidas para mim.”  

As peças se dividem em séries que partem de sua prática anterior e, ao mesmo tempo, assumem novos desafios de forma e expressão. Em NEO JOMON Yakishime (2026), o artista retoma uma série anterior de vasos com referências às formas Jomon e à técnica yakishime – tradição japonesa em que as peças são queimadas em altas temperaturas, sem esmalte ou verniz. A série ganha novos elementos: a cultura popular, a arquitetura e as cores que Kansai encontrou em viagens pelo Sudeste Asiático. 

APOLLO (2026) carrega influências mitológicas, ao se inspirar em Apolo, o Deus do sol, que conduz diariamente sua carruagem, transportando o sol pelo céu até o seu destino. Para a construção da série, o artista abstraiu as formas dos cavalos que puxam a carruagem, resultando em vasos que desafiam o equilíbrio e a forma. É partindo dessa combinação de técnicas antigas e primordiais que ele recria o mito através da abstração e da repetição hesitante de padrões na superfície irregular da cerâmica. Como no mito, passamos a observar não apenas a evocação da narrativa de Apolo, mas os próprios percalços de seu exercício eterno de reinvenção da luz – constantes, mas não menos reveladores. 

Ao trazerem para os trabalhos diferentes materialidades, os artistas expressam a sua relação com a natureza e o tempo, indo na contramão de uma lógica acelerada e maquinada. A ligação com a tradição, o relacionamento com tudo que está ao redor e a reflexão sobre diferentes formas de divindade, sugerem uma conexão com a totalidade, uma natureza que não exclui, mas incorpora diferentes manifestações de vida.